War of the Worlds

De Get Cape. Wear Cape. Fly. (em The Chronicles of a Bohemian Teenager, 2006)

Uma melodia simples – dedilhada na guitarra – cheia de uma voz encorpada que arrasta as palavras, ditas de uma forma peculiar. Assim é a 6ª faixa do disco de estreia do inglês Sam Duckworth, ou Get Cape. Wear Cape. Fly, o seu nome artístico alegadamente inspirado no título de uma crítica a um jogo de computador que tinha Batman como personagem principal. As canções de Duckworth incorporam esta faceta de herói – ou será anti-herói? -, preocupado com as questões sociais, as minorias, o comércio (in) justo, os abusos dos políticos. Sempre num registo simples, por isso eficaz, de compor. É esta a composição genética de War of the Worlds, o hino indie de 2006 deste cantautor de Essex. 
J.P.V. 

P.S.
Chronicles of a Bohemian Teenager é, também, o nome de um tema deste disco, que também foi single.

A simple melody - strummed on a guitar - a full bodied voice that drags the words, uttered in a peculiar way. It’s like this the 6th track on the debut album of English musician Sam Duckworth or Get Cape. Wear Cape. Fly., his stage name allegedly inspired the title of a critique of a computer game where Batman was the main character. Duckworth's songs embody this facet of hero - or is it antihero? - concerned with social issues, minorities, (un) fair trade and the abuses made by politicians. Always using a very simple way of doing things (well, music in this case), which is so effective composing, Duckworth gets the job (well) done. And simplicity might well be the genetic sequence of War of the Worlds, the indie anthem of 2006, by this singer/songwriter from Essex.
J.P.V.

P.S.
Chronicles of a Bohemian Teenager is also the name of a song included in this album. It became a single too.

How Beautiful You Are

De The Cure (em Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, 1987)

Robert Smith, vocalista, letrista, guitarrista líder e fundador dos The Cure é, dizem, um leitor ávido desde tenra idade. E a viagem literária não mais parou, com o avançar do tempo. Seria quase inevitável que se cruzasse com Baudelaire… Aconteceu alegadamente em 1987, à 6ª faixa de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, na canção How Beautiful You Are. O ano talvez não seja muito preciso, mas poderemos olhar para a década de 80 do século passado como uma referência fiável. Tudo se terá passado numa rua de Paris, durante um passeio chuvoso, entre promessas de amor eterno e o inesperado confronto com uma pobreza que alguém não quis ver e que acabaria por transformar o amor num ódio momentâneo. Tal como aconteceu em Os Olhos dos Pobres, incluído na coleção de poemas O Spleen de Paris, publicado em 1869, dois anos após a morte de Charles Baudelaire. A conclusão de Smith - «nunca ninguém conhece ou ama realmente alguém» - vai além do poema original, mas foi uma transgressão inevitável para conquistar o final perfeito para uma canção assombrada por aquela atmosfera neo-punk-gótico-depressiva que sobrevoa tantas outras faixas dos The Smiths e de diversas bandas daquela época.

J.P.V.

P.S.

Siouxsie and The Banshees - outra banda surgida do movimento pós-punk que se afirmou como um dos pilares do movimento gótico dos anos 80.

Robert Smith, singer, songwriter, lead guitarist and founder of The Cure is – so they say… - an avid reader from an early age. And his literary journey has not stopped as he became older. That said, it would be almost inevitable that his way would cross with Baudelaire’s ... It allegedly happened in 1987, at the 6th track of the album Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, in the song How Beautiful You Are. The year may not be very accurate, but we can look at the 80s of last century as a reliable benchmark. The action took place in a street of Paris during a rainy stroll between promises of eternal love and an unexpected confrontation with poverty that someone did not want to see. In that moment, love became a sudden momentary hate. All as decribed in The Eyes of the Poor, included in the collection of poems Paris Spleen, published in 1869, two years after the death of the author, Charles Baudelaire. Smith's conclusion - «nobody ever knows or loves another» - goes beyond the original ending of the poem, but it was an inevitable transgression to conquer the perfect end to a song haunted by that neo-punk-gothic-depressive atmosphere that haunts other The Smiths songs and so many other bands of that era.
J.P.V.

P.S.
Siouxsie and The Banshees - another band that emerged from the post-punk movement and became one of the pillars of the 80s gothic movement.

Blue Lagoon

By Laurie Anderson (in Mister Heartbreak, 1984)

Laurie Anderson gosta que lhe chamem contadora de histórias. Não é vaidade, é realidade. O que sempre me atraiu nela, no entanto, é algo mais do que isso – tem a ver com as histórias que ela conta e a forma como o faz. Como este tema, Blue Lagoon, em que a sua voz de anjo é um engodo para nos levar para um ambiente sombrio, assustador. Tenho medo daquela lagoa azul, algures num paraíso do Pacífico. Quero fugir e quero mergulhar. As texturas são belas e aterradoras; e ficamos enredados no «early modern english» dos versos de Shakespeare (uma parte da letra de Blue Lagoon é retirada das palavras com que o espírito Ariel interpela Ferdinand, em A Tempestade). Logo a seguir outra referência: «And I alone am left to tell the tale/Call me Ishmael». Moby Dick, de Herman Melville. Não, não. Esta lagoa azul nada tem a ver com a Brooke Shields ou o Christopher Atkins. A lagoa de Laurie Anderson está cheia de sombras, inunda os nossos recantos e traz todo um novo sentido a esta escolha: quem levar para uma ilha deserta? 

A.C.

Laurie Anderson likes to be called a storyteller. It's not vanity, it's reality. What I always loved about Laurie, however, is something more – it’s the way she tells the stories. Like this theme, Blue Lagoon, where her angel voice is a trap to makes us enter into a gloomy, scary atmosphere. I fear that blue lagoon, somewhere in a Pacific paradise. I want to run away and I want to immerse myself. The textures are beautiful and terrifying, and we are caught in the Shakespeare’s early modern English (part of the Blue Lagoon lyrics is taken from the Ariel’s song, in The Tempest). Soon afterwards another reference: «And I alone am left to tell the tale/Call me Ishmael». Moby Dick, by Herman Melville. No, no. This blue lagoon has nothing to do with Brooke Shields and Christopher Atkins. Laurie Anderson's lagoon is full of shadows, floods our secret corners and brings a whole new meaning to this choice: who would you bring to a desert island? 

A.C.

Shame on Me

De Amanda Blank (em I Love You, 2009) 

Foi um dos nomes que despontou depois da entrada em cena de M.I.A. e em especial Santogold - o primeiro nome artístico de Santi White, agora reconvertido em Santigold depois de, diz o Guardian, ter sido processada por Santo Gold, um joalheiro e produtor cinematográfico que teve o ponto alto da sua carreira com o filme Santo Gold’s Blood Circus, onde mistura ambientes tão díspares como a ficção científica e o wrestling. De regresso a Amanda Blank… a sua proximidade com várias figuras deste «novo» som que mistura rap com uma eletrónica ‘suja’ e aparentemente pouco cuidada, que aposta tudo numa batida forte e contagiante e em figuras de palco que gritam e saltam em formações quase minimais – vocalista, dj artilhado com computador e bailarinos - e que contagia as audiências com ritmos irresistivelmente dançáveis, deixava adivinhar uma aventura a solo. Shame on Me, a 6ª faixa de I Love You, faz bem a síntese da estreia discográfica de Blank. 
J.P.V. 

P.S. 

Rye Rye, com disco Go! Pop! Bang!, de 2012, foi outra das figuras a despontar neste meio. 


She was one of the names that emerged after the debut of M.I.A. and especially Santogold - Santi White’s first stage name, now converted into Santigold. According to The Guardian, it happened when she was sued by Santo Gold, a jeweler and film producer who’s career highlight is the movie Santo Gold's Blood Circus, which mixes such different environments as science fiction and wrestling. Back to Amanda Blank ... being so close to several big names of this «new» sound that mixes rap with ‘dirty’ and apparently rough electronic sounds, that bets everything on a strong beat and contagious stage characters that scream and jump in almost minimal formations – a singer, one computer equipped dj and some dancers - and infects the audience with irresistibly danceable rhythms, it wasn’t a surprise when Blank came with a solo adventure. Shame on Me is I Love You’s 6^th track, and it makes the perfect synthesis of Blank's debut record. 

J.P.V. 

P.S.
Rye Rye released her debut record Go! Pop! Bang! in 2012 and she’s another name that emerged from this «new» sound.

Sahara Blues

De L' Orchestra di Piazza Vittorio (em Orchestra di Piazza Vittorio, 2003)

No bairro Esquilino, em Roma, à volta da praça Vittorio Emanuele II, nasceu uma orquestra que era como que um pesadelo para Berlusconi: são 19 músicos com 11 diferentes nacionalidades. Estávamos em 2002. Se os imigrantes, em Itália como na maior parte dos países europeus, nunca tiveram vida fácil, aqueles anos de Berlusconi ultrapassaram todos os limites, com o próprio governo central a instigar os crimes racistas e xenófobos. Ainda hoje, a Orchestra di Piazza Vittorio é uma espécie de bofetada na cara da cidade eterna. A iniciativa do maestro italiano Mario Tronco, de vasculhar a cidade à procura de músicos imigrantes, deu origem a um divertido documentário de Agostino Ferrente, que é habitualmente exibido antes de cada concerto. A música da Orchestra di Piazza Vittorio é ela própria um mosaico multiétnico – neste primeiro álbum facilmente saltamos do violoncelo da Europa de leste para a kora do Senegal; do cavaquinho brasileiro para as flautas dos Andes; das guitarras elétricas ocidentais para a tabla indiana ou para as vozes do Sahara… Ah, era aqui que eu queria chegar, à fabulosa sexta faixa, Sahara Blues. Vamos nós pelas dunas ao ritmo do passo do camelo, enroscados naquela língua quente com muitos «hal» e «rha», quando nos passa pela frente um violoncelo… e nos sobressalta um saxofone… Não digo mais nada, isto só mesmo escutado!

A.C.

P.S.

Foi o maestro Mario Tronco quem impulsionou também a criação da portuguesa Orquestra Todos, que segue o mesmo conceito

In the Esquilino neighborhood, in Rome, around the square Vittorio Emanuele II, was born an orchestra that was like a nightmare for Berlusconi: 19 musicians with 11 different nationalities. That happened in 2002. If immigrants, in Italy as in most European countries, have never had an easy life, those Berlusconi years exceeded all limits, with central government itself instigating racist and xenophobic crimes. Even today, the Orchestra di Piazza Vittorio is a slap in the face of the eternal city. The initiative of the italian conductor Mario Tronco - he scoped the city looking for immigrant musicians – turned to be an amusing documentary by Agostino Ferrente, which is usually exhibited before each concert. The Orchestra di Piazza Vittorio music is itself a multiethnic mosaic – through this first album we easily jump from Eastern Europe cello to the Senegalese kora; from the Brazilian ‘cavaquinho’ to the Andean flutes; from western electric guitars to the Indian tabla or the Sahara voices... Ah, I was trying to get to the fabulous sixth track, Sahara Blues. Here we go, crossing the dunes at the rhythm of the camels pace, sheltered by this warmth language with a lot of sounds like 'hal' and 'rha', when a cello crosses our path ... and a saxophone startles us ... I won’t say anything else, this song needs to be listened!

A.C.

P.S.

Mario Tronco also was the person behind the creation of the Portuguese Orquestra Todos, which follows the same concept

Limit to Your Love

De James Blake (em James Blake, 2011)

Ora aí está um álbum deveras irritante. A primeira faixa desperta a minha curiosidade: eis algo de novo debaixo do sol. Acho graça à segunda faixa, começo a bufar na terceira e, à quarta, já estou enojada com tanto sintetizador e com tanto efeito artificialíssimo na voz... Tudo tem de ter conta, peso e medida (menos o amor) e aquilo é demais! Na quinta faixa já só penso em pontapear o leitor de cd’s, ou então em arrancar de lá o disco e estilhaçá-lo contra a parede. O senhor James Blake dá-me cabo dos nervos. A sexta faixa não vem acalmar-me; deixa-me pior. Porque é maravilhosa. Claro que não é do enervante Blake, foi escrita por Feist, mas o exasperante Blake eleva-a a um nível bem superior. O que o perturbante Blake tem de bom, de muito bom, são aquelas pausas súbitas, inesperadas, que param o tempo ou o abrandam muitíssimo, como «uma queda de água em slow motion». Este inglês de 24 anos, artista pós-dubstep como lhe chama a BBC, com influências do soul e dos blues, é genial... e irritante, mantenho. Passa a faixa sete, passa a oito, mas já não as ouço. Fiquei presa neste Limit to Your Love, ainda mais numa altura em que ando fartinha fartinha destes limites tão apertados que vejo em alguns amores.
A.C.

Here it is a truly annoying album. The first track arouses my curiosity: this is something new under the sun. I kind of like the second track, start to huff by the third and, by the fourth, I'm already disgusted with so many synthesizers and artificial effects in his voice ... Everything has to be well balanced (minus love) and this album is overdone! By the fifth track I only think of kicking the cd player, or taking off the cd and shatter it against the wall. Mister James Blake gets on my nerves. The sixth track does not calm me down; t makes me worse. Because it’s wonderful. Of course the irritating Blake is not the author, it was written by Feist, but the infuriating Blake elevates it to a higher level. What is good, very good, about the disturbing Blake, are those sudden, unexpected pauses, that stop or slow down time, as «a waterfall in slow motion». This 24 years old english guy, post dubstep artist as BBC calls him, with influences from soul and blues, is a genius... and annoying, I insist. The seventh, then the eighth track went playing, but I no longer was listening. I was stuck with this Limit to Your Love, specially now, when I am fed up with these so tight limits that I see in some lovers.
A.C.

p: Machinery

De Propaganda (em A Secret Wish, 1985)

Nos anos 80 consolidava-se um género musical já experimentado em décadas anteriores – pelos Kraftwerk, nos anos 70, por exemplo – mas que nunca tinha atingido tamanha popularidade. O pop eletrónico, assente nas texturas sonoras dos sintetizadores, teve um longo reinado e estes alemães souberam cavalgar essa onda. p: Machinery, a 6ª faixa do disco de estreia – e o mais importante da sua intermitente carreira - não foi a que obteve maior êxito comercial, mas é aquela, de entre todas as outras criadas por esta banda de Dusseldorf (esse título vai para Duel) que, porventura, melhor sintetiza o que de melhor os Propaganda fizeram: um ambiente mais industrial e mais mecânico - até a coreografia do vídeo clip pega na robotização, no advento das máquinas e da subjugação dos humanos aos seres mecânicos, um tema muito 80’s (Blade Runner é de 1982 e O Exterminador Implacável é de 1984). Musicalmente pode não ser uma canção tão pop quanto Duel, mas é mais consistente e mais representativa daquilo que se convencionou chamar synth-pop (além de ser a minha preferida do disco e, por isso, a eleita para este post). 

J.P.V.

P.S.

Em 1977 os Kraftwerk trataram de se autorobotizar no tema The Robts

In the 80 a musical genre came of age although it has been experienced in previous decades - by Kraftwerk in the '70s, for example. It never reached such popularity before. Electronic pop, grounded in synthesizers sound textures, had a long reign and these Germans knew how to ride that wave. p: Machinery, the 6th track on their debut album - and the most important of their intermittent career – didn’t reach so far in the tops has Duel did, but it is one song, among all others created by this band from Dusseldorf  that perhaps best epitomizes the best of what the Propaganda did: a more industrial and more mechanical – the choreography in the video clip takes on robotics, the advent of machines and subjugation of human beings to mechanical machines, a theme that’s very 80's (Blade Runner was released in 1982 and Terminator in 1984). Musically this song may not be as ‘pop’ as Duel, but is more consistent and more representative of what is called synth-pop (besides being my favorite in this record and, therefore, chosen to this post).
J.P.V. 

P.S. 
In 1977 Kraftwerk robotized themselves in the song The Robts