Sahara Blues

De L' Orchestra di Piazza Vittorio (em Orchestra di Piazza Vittorio, 2003)

No bairro Esquilino, em Roma, à volta da praça Vittorio Emanuele II, nasceu uma orquestra que era como que um pesadelo para Berlusconi: são 19 músicos com 11 diferentes nacionalidades. Estávamos em 2002. Se os imigrantes, em Itália como na maior parte dos países europeus, nunca tiveram vida fácil, aqueles anos de Berlusconi ultrapassaram todos os limites, com o próprio governo central a instigar os crimes racistas e xenófobos. Ainda hoje, a Orchestra di Piazza Vittorio é uma espécie de bofetada na cara da cidade eterna. A iniciativa do maestro italiano Mario Tronco, de vasculhar a cidade à procura de músicos imigrantes, deu origem a um divertido documentário de Agostino Ferrente, que é habitualmente exibido antes de cada concerto. A música da Orchestra di Piazza Vittorio é ela própria um mosaico multiétnico – neste primeiro álbum facilmente saltamos do violoncelo da Europa de leste para a kora do Senegal; do cavaquinho brasileiro para as flautas dos Andes; das guitarras elétricas ocidentais para a tabla indiana ou para as vozes do Sahara… Ah, era aqui que eu queria chegar, à fabulosa sexta faixa, Sahara Blues. Vamos nós pelas dunas ao ritmo do passo do camelo, enroscados naquela língua quente com muitos «hal» e «rha», quando nos passa pela frente um violoncelo… e nos sobressalta um saxofone… Não digo mais nada, isto só mesmo escutado!

A.C.

P.S.

Foi o maestro Mario Tronco quem impulsionou também a criação da portuguesa Orquestra Todos, que segue o mesmo conceito

In the Esquilino neighborhood, in Rome, around the square Vittorio Emanuele II, was born an orchestra that was like a nightmare for Berlusconi: 19 musicians with 11 different nationalities. That happened in 2002. If immigrants, in Italy as in most European countries, have never had an easy life, those Berlusconi years exceeded all limits, with central government itself instigating racist and xenophobic crimes. Even today, the Orchestra di Piazza Vittorio is a slap in the face of the eternal city. The initiative of the italian conductor Mario Tronco - he scoped the city looking for immigrant musicians – turned to be an amusing documentary by Agostino Ferrente, which is usually exhibited before each concert. The Orchestra di Piazza Vittorio music is itself a multiethnic mosaic – through this first album we easily jump from Eastern Europe cello to the Senegalese kora; from the Brazilian ‘cavaquinho’ to the Andean flutes; from western electric guitars to the Indian tabla or the Sahara voices... Ah, I was trying to get to the fabulous sixth track, Sahara Blues. Here we go, crossing the dunes at the rhythm of the camels pace, sheltered by this warmth language with a lot of sounds like 'hal' and 'rha', when a cello crosses our path ... and a saxophone startles us ... I won’t say anything else, this song needs to be listened!

A.C.

P.S.

Mario Tronco also was the person behind the creation of the Portuguese Orquestra Todos, which follows the same concept

Limit to Your Love

De James Blake (em James Blake, 2011)

Ora aí está um álbum deveras irritante. A primeira faixa desperta a minha curiosidade: eis algo de novo debaixo do sol. Acho graça à segunda faixa, começo a bufar na terceira e, à quarta, já estou enojada com tanto sintetizador e com tanto efeito artificialíssimo na voz... Tudo tem de ter conta, peso e medida (menos o amor) e aquilo é demais! Na quinta faixa já só penso em pontapear o leitor de cd’s, ou então em arrancar de lá o disco e estilhaçá-lo contra a parede. O senhor James Blake dá-me cabo dos nervos. A sexta faixa não vem acalmar-me; deixa-me pior. Porque é maravilhosa. Claro que não é do enervante Blake, foi escrita por Feist, mas o exasperante Blake eleva-a a um nível bem superior. O que o perturbante Blake tem de bom, de muito bom, são aquelas pausas súbitas, inesperadas, que param o tempo ou o abrandam muitíssimo, como «uma queda de água em slow motion». Este inglês de 24 anos, artista pós-dubstep como lhe chama a BBC, com influências do soul e dos blues, é genial... e irritante, mantenho. Passa a faixa sete, passa a oito, mas já não as ouço. Fiquei presa neste Limit to Your Love, ainda mais numa altura em que ando fartinha fartinha destes limites tão apertados que vejo em alguns amores.
A.C.

Here it is a truly annoying album. The first track arouses my curiosity: this is something new under the sun. I kind of like the second track, start to huff by the third and, by the fourth, I'm already disgusted with so many synthesizers and artificial effects in his voice ... Everything has to be well balanced (minus love) and this album is overdone! By the fifth track I only think of kicking the cd player, or taking off the cd and shatter it against the wall. Mister James Blake gets on my nerves. The sixth track does not calm me down; t makes me worse. Because it’s wonderful. Of course the irritating Blake is not the author, it was written by Feist, but the infuriating Blake elevates it to a higher level. What is good, very good, about the disturbing Blake, are those sudden, unexpected pauses, that stop or slow down time, as «a waterfall in slow motion». This 24 years old english guy, post dubstep artist as BBC calls him, with influences from soul and blues, is a genius... and annoying, I insist. The seventh, then the eighth track went playing, but I no longer was listening. I was stuck with this Limit to Your Love, specially now, when I am fed up with these so tight limits that I see in some lovers.
A.C.

p: Machinery

De Propaganda (em A Secret Wish, 1985)

Nos anos 80 consolidava-se um género musical já experimentado em décadas anteriores – pelos Kraftwerk, nos anos 70, por exemplo – mas que nunca tinha atingido tamanha popularidade. O pop eletrónico, assente nas texturas sonoras dos sintetizadores, teve um longo reinado e estes alemães souberam cavalgar essa onda. p: Machinery, a 6ª faixa do disco de estreia – e o mais importante da sua intermitente carreira - não foi a que obteve maior êxito comercial, mas é aquela, de entre todas as outras criadas por esta banda de Dusseldorf (esse título vai para Duel) que, porventura, melhor sintetiza o que de melhor os Propaganda fizeram: um ambiente mais industrial e mais mecânico - até a coreografia do vídeo clip pega na robotização, no advento das máquinas e da subjugação dos humanos aos seres mecânicos, um tema muito 80’s (Blade Runner é de 1982 e O Exterminador Implacável é de 1984). Musicalmente pode não ser uma canção tão pop quanto Duel, mas é mais consistente e mais representativa daquilo que se convencionou chamar synth-pop (além de ser a minha preferida do disco e, por isso, a eleita para este post). 

J.P.V.

P.S.

Em 1977 os Kraftwerk trataram de se autorobotizar no tema The Robts

In the 80 a musical genre came of age although it has been experienced in previous decades - by Kraftwerk in the '70s, for example. It never reached such popularity before. Electronic pop, grounded in synthesizers sound textures, had a long reign and these Germans knew how to ride that wave. p: Machinery, the 6th track on their debut album - and the most important of their intermittent career – didn’t reach so far in the tops has Duel did, but it is one song, among all others created by this band from Dusseldorf  that perhaps best epitomizes the best of what the Propaganda did: a more industrial and more mechanical – the choreography in the video clip takes on robotics, the advent of machines and subjugation of human beings to mechanical machines, a theme that’s very 80's (Blade Runner was released in 1982 and Terminator in 1984). Musically this song may not be as ‘pop’ as Duel, but is more consistent and more representative of what is called synth-pop (besides being my favorite in this record and, therefore, chosen to this post).
J.P.V. 

P.S. 
In 1977 Kraftwerk robotized themselves in the song The Robts

Alice no País dos Matraquilhos

De Sérgio Godinho (em Aos Amores, 1989)

Alice. É sem a mínima claridade de dúvida o meu tema preferido de Sérgio Godinho. Mas não me apetecia nada escrever sobre ele/ela. Despeitada com o meu desdém, assombrou-me em sonhos na noite de Natal. Não a música, a Alice. Vamos lá. Este tema dava um belo filme dos irmãos Dardenne. Começa logo com uma insinuação: «Mãe fora (em que avenida?)». Sim, Alice é filha de uma prostituta e de um desempregado enfurecido. Irmã de um «matraquilho no país dos generais», um soldadinho na caserna; amiga de uma ex-condenada. É filme a mais? Só para quem não mergulha nem quer mergulhar em certas vidas, certos bairros. Para quem tem medo de conhecer o outro, o alien, uma indiferença que não é mais do que medo de si próprio. Alice tem um método de fuga. Joga matraquilhos no café. Tem de haver um escape, um mundo paralelo para onde se viaja e onde se é feliz. Senão quem aguentava? É no café que Alice conhece um rapaz de capacete em punho, que lhe escreve «frases que são rastilhos». A poesia de Sérgio Godinho sabe a chocolate, mas há outra coisa. Ele - como Caetano Veloso ou Chico Buarque - é mestre em escrever com a voz de uma mulher. E Alice tem um final feliz? A letra insinua que sim, mas eu não sei se acredito nisso.

A.C.

P.S.

Etelvina é outra grande personagem criada por Sérgio Godinho. Mais um tema que dava um filme

Alice. It is without the slightest clarity of doubt my favorite Sérgio Godinho song. But I had no desire to write about it/her. Spiteful to me due to my disdain, she haunted me in my Christmas night dreams. Not the song, but Alice herself. Come on. This song would make a beautiful Dardenne brothers movie. It starts with just an insinuation: «The mother is out there (in which avenue?)». Yes, Alice is the daughter of a prostitute and an enraged unemployed. Sister of a «foosball table player in the generals country », a little soldier in a barracks; friend of a former convicted. Is it too much? Just for those who do not dive or do not want to dive into certain lives, certain neighborhoods. For those who fear to know the other, the alien, an indifference that is nothing but fear of themselves. Alice has a method of escape. She plays on a foosball table at the bar. There must be an escape, a parallel world where you can go and be happy. Otherwise who could stand it? It's in the bar that Alice knows a guy, carrying a helmet in his hand, writing for her «sentences that are like fuses». The poetry of Sérgio Godinho tastes like chocolate, but there's something else. He - like Caetano Veloso and Chico Buarque - is a master in writing from a woman’s point of view. Does Alice have a happy ending? The lyrics imply that yes, she has, but I do not know if I believe that.

A.C.

P.S.

Etelvina is another Sérgio Godinho great character. Another song that would make a movie

Linus and Lucy

De Vince Guaraldi (em A Boy Named Charlie Brown, 1969)

Aos primeiros acordes começam a soltar-se, num ritmo acelerado, os traços quase toscos que irão dar corpo a Charlie Brown, Lucy, Linus, o genial Snoopy, Peppermint Patty, Sally, Woodstock… A voz pastosa e impercetível da professora… Os inúmeros pontapés falhados… E é todo um imaginário recheado de boas recordações e tantas histórias que emerge dos confins da memória, recuperado lá muito atrás no tempo. A Boy Named Charlie Brown estreou em 1969 e foi o primeiro filme a chegar às salas de cinema com as personagens de Charles M. Schulz como protagonistas. E os filmes costumam ter bandas sonoras. Este não foi exceção. O trio jazz de Vince Guaraldi – cujo percurso se confunde com as aventuras audiovisuais de Charlie Brown e companhia – foi responsável pelas melodias que acompanham todas a aventuras animadas daquela pandilha. Linus and Lucy, a 6ª faixa da banda sonora de A Boy Named Charlie Brown é a que mais rapidamente me consegue transportar para o universo de Schulz e, também por isso, a minha preferida. 
J.P.V. 

P.S. 
Uma versão deste mesmo tema por Youth Lagoon, enquanto se faz passar por artista de rua. 


When I start hearing the first chords, fast-paced drawing get unleashed in my mind. They will soon become Charlie Brown, Lucy, Linus, the genius Snoopy, Peppermint Patty, Sally, Woodstock ... The thickly inconspicuous teacher’s voice ... So many missed kicks ... And just like that a whole imaginary filled with so many stories that emerges from the ends of my memory, recovered so many years back in time. A Boy Named Charlie Brown debuted in 1969 and was the first film to hit the cinemas starring the characters created by Charles M. Schulz. And movies usually have soundtracks. This one was no exception. The jazz trio led by Vince Guaraldi - whose carrier is intertwined with the animated adventures of Charlie Brown and his bunch - was responsible for all melodies we can hear when watching this old animated movies. Linus and Lucy, the 6th track from A Boy Named Charlie Brown’s soundtrack is for me the fastest lane to the world of Schulz, and also why it’s my favourite.
J.P.V.

P.S.
A version of this song by Youth Lagoon, while masquerading as a street performer.

My Man's Gone Now

De Pink Freud (em Sorry Music Polska, 2003)

Nina Simone cantou-a. Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan… Ruby Elzy foi a primeira a dar-lhe voz, na produção original da ópera Porgy and Bess, do grande George Gershwin. Miles Davis tocou-a. Tudo gente «monstra». Mas o My Man’s Gone Now nas mãos destes tipos com um nome cómico, Pink Freud, é qualquer coisa que tem de ser ouvida. Até nem apetece chamar-lhe versão, pois quase tudo é novo. A melodia está lá, ao de leve, quase ao longe, mas quem canta a perda do seu homem, quem chora e lamenta, quem se exalta por vezes, quem se confronta com a sua própria finitude é o trompete fabuloso de Tomasz Zietek. É a sexta faixa de um álbum excecional de eletro-jazz (com uma bateria que, de vez em quando, gosta de brincar ao rock). Todo ele está cheio de uma atmosfera dark (não down!) que aparece em todo o seu esplendor neste My Man’s Gone Now. Os Pink Freud são um quarteto de jazz contemporâneo misturado com eletrónica, formado em 1998 na cidade de Gdansk, no norte da Polónia. Fazem uma música fresca, arejada, sem medo de se deixar contaminar. Aqui fica a devida vénia.
A.C.

P.S. No mesmo álbum, outra versão surpreendente: Come as you are, dos Nirvana. Em estilo jazz

Nina Simone sang it. Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan ... Ruby Elzy was the first one to sing it, in the original production of the opera Porgy and Bess, composed by the great George Gershwin. Miles Davis played it. All of them «monsters». But My Man's Gone Now in the hands of these guys with a funny name, Pink Freud, is something that needs to be heard. It doesn’t feel like calling it a version, because almost everything is new. The melody is there, lightly, almost far away, but who sings the loss of her man, who cries and laments, who screams, sometimes, who confronts herself with her own finitude… is not a woman, but the fabulous Tomasz Zietek trumpet. It is the sixth track from an exceptional electro-jazz record (in which the drums occasionally likes to play the rock n’ roll beat). All of it is filled with a dark atmosphere (not down!) that appears in its entire splendor in My Man's Gone Now. The Pink Freud are a contemporary jazz quartet that likes to play with electronic sounds, formed in 1998 in the city of Gdansk in northern Poland. They make a fresh music, without fear of being contaminated. We take a bow.

A.C.

P.S. On the same record, another amazing jazzy version: Come as you are, of Nirvana

 

House of Jealous Lovers

De The Rapture (em Echoes, 2003)

Os grandes discos têm sempre enormes 6ªs faixas. Bom, é verdade que esta máxima nos interessa porque sustenta a teoria base deste blog. Mas independentemente de eventuais visões parcelares da realidade, é precisamente isto que acontece com Echoes, o disco de estreia dos The Rapture – que foi uma verdadeira pedrada no charco. Colaram-lhes o rótulo dance punk – e muito bem. Esta é, provavelmente, a expressão que melhor define a peculiar forma de cantar de Luke Jenner (com inflexões vocais desconcertantes e um tom «esganiçado»), os seus riffs de guitarra a rasgar as melodias e os ritmos altamente contagiantes, pautados pela presença forte e mandona do baixo de Matt Safer, perante os quais é difícil controlar o nosso corpo. Ah, é preciso destacar mais um elemento, não menos importante: Gabriel Andruzzi, percussionista e saxofonista da banda. A sua forma de estar em palco faz tem, de alguma forma, pontos de contacto com a de Bez, dos Happy Mondays. Andruzzi é musicalmente bastante mais relevante que o excêntrico dançarino dos Mondays (abanava as maracas e pouco mais), mas as suas danças no mínimo invulgares, são um claro valor acrescentado e contagiam quem assiste.  
House of Jealous Lovers é o tema alto deste disco, mas não o único, e, por isso, é quase injusto elegê-lo como a melhor faixa. Mas assumimos o risco.
 J.P.V.

P.S. 
O fenómeno The Rapture tem a bênção de James Murphy (LCD Soundsystem) e da equipa de produtores da DFA.

Great records always have great 6th tracks. Well, it is true that this premise is used here in our own interest because it is a good support for this blog’s theory. But it is also a fact that – regardless of any partial views of reality - this is exactly what happens with Echoes, The Rapture’s debut album – something completely different from what people were doing in that time. They were labeled dance punk - and very well labeled indeed. This is probably the expression that best defines the peculiar way of Luke Jenner’s singing (with vocal inflections and a disturbing almost screaming voice), his guitar riffs ripping melodies and highly contagious rhythms, guided by the strong presence of Matt Safer’s bossy bass. All this together makes it difficult for us to control our bodies. Oh, it is worth to mention one more character: Gabriel Andruzzi, the band’s saxophonist and percussionist. His presence on stage does have, somehow, some resemblances with Bez, from Happy Mondays. Andruzzi is musically far more relevant than the eccentric Mondays dancer (he shook the maracas and not much else), but the way he dances is at least unusual and a clear way to «infect» the audience with the «dancing virus». House of Jealous Lovers is this record’s high point, but not the only one. It is almost unfair to elect this song as the best, but it is a risk we are willing to take.  
J.P.V.

P.S. 
The Rapture’s phenomenon has James Murphy’s (LCD Soundsystem) and DFA prodution team’s blessing.